¿Qué es el Arte Abstracto?
El arte abstracto, también conocido como arte no figurativo, no figurativo o no objetivo, es un arte que utiliza líneas, formas, formas, texturas, colores, patrones y marcas gestuales para transmitir significado. El arte abstracto no intenta representar con precisión la realidad visual y logra su efecto conceptual al simplificar su tema más allá del reconocimiento. Cierto arte abstracto puede no tener un punto de referencia existente o tangible y puede estar basado en pensamientos, sentimientos, ideas o comprensión espiritual. El arte abstracto puede incluso provenir directamente de la imaginación de un artista. El arte abstracto se puede encontrar en todos los medios de artes visuales, incluida la pintura, la escultura y el grabado. El concepto de abstracción también aparece en la música, el cine y la arquitectura.
Obras de arte abstractas notables
Historia del Arte Abstracto
Las formas no figurativas o abstractas de representación visual han existido durante milenios. Las civilizaciones antiguas a menudo representaban a personas y animales a través de formas geométricas simples y formas abstractas. A pesar de su simplicidad, o tal vez debido a ella, las formas abstractas y las inscripciones se utilizaron al crear cerámica y artefactos espirituales, textiles, en entornos domésticos e incluso en la creación de registros tempranos de la naturaleza y el cosmos.
El poder del arte abstracto radica en su capacidad para comunicar significado más allá de lo que el espectador puede ver. Una forma o símbolo aparentemente simple puede representar muchos conceptos, emociones o incluso historias. El arte egipcio antiguo, el arte islámico y el arte de Asia oriental son ejemplos de culturas que utilizan la abstracción como una forma de arte durante cientos e incluso miles de años. La caligrafía, los jeroglíficos y las pinturas de salpicaduras son algunos de los primeros estilos abstractos de expresión y, a menudo, se asocian con prácticas religiosas o espirituales.
Muchas culturas continuaron creando símbolos importantes y expresando sus costumbres a través de representaciones no figurativas. El arte moderno occidental solo comenzó a alinearse con la abstracción como estilo y técnica artística en el siglo XIX, después de muchos años de pintura, escultura, dibujo y grabado precisos, mecánicos y muy realistas inspirados en los descubrimientos de la ciencia médica y, más en general, la revolución científica.
Arte abstracto en el siglo XIX
Alrededor de 1800, el arte se volvió más accesible al público como carrera y como mercancía. Los artistas europeos, que alguna vez solo fueron comisionados como pintores de la corte o por la iglesia, se estaban volviendo más independientes al elegir con quién trabajar y para quién. Esta independencia también se tradujo en desarrollos en el tema elegido y las técnicas aplicadas. El arte abstracto, particularmente las pinturas abstractas, comenzaron a aparecer lentamente.
El romanticismo surgió a principios del siglo XIX y se caracterizó por emociones y acontecimientos extremos. El romanticismo también exploró lo sublime en la naturaleza y rechazó la industrialización y el racionalismo. A primera vista, las pinturas románticas, como El 3 de mayo de 1808 de Francisco Goya, de 1814, no parecen tener ningún parecido con el arte abstracto. Tras una inspección más cercana, su tratamiento de las personas y la naturaleza señala un alejamiento de la precisión técnica favorecida por los movimientos artísticos anteriores. Los artistas bordearían la abstracción al transmitir el terror de una tormenta en lugar de la precisión matemática de un maremoto, centrándose en la emoción que este fenómeno natural podría causar en lugar de cuán perfectamente podría representarse.
Al igual que los pintores románticos, los pintores impresionistas representaron la naturaleza tratando de capturar su esencia en lugar de su estructura. Ambos movimientos, aunque muy diferentes en términos de estética, utilizaron técnicas de pintura abstracta, como distorsiones y colores vivos, para expresar un significado más profundo detrás de su arte. Se utilizaron pinceladas gruesas y juegos de perspectiva para capturar fenómenos como un amanecer impresionante, como se ve en Impression Sunrise de Claude Monet, de 1872. Artistas como Monet buscaron capturar la sensación causada por un evento u objeto en lugar del evento u objeto en sí. El resultado fue, en retrospectiva, el arte abstracto.
El color audaz, las distorsiones y las exageraciones se convirtieron en técnicas fundamentales para otros movimientos artísticos como el expresionismo . Los pintores expresionistas crearon pinturas cargadas de emociones que reaccionaron directamente a los acontecimientos contemporáneos. El expresionismo incluso comenzó a rechazar la idea del arte en sí mismo y se dedicó por completo a retratar estados psicológicos del ser.
El grito de Edvard Munch, de 1912, por ejemplo, muestra una figura humana en un paisaje, con las manos sosteniendo su rostro como si estuviera gritando de terror. La composición, aunque no del todo abstracta, utiliza elementos abstractos para crear la idea de miedo y ansiedad en el espectador.
Arte abstracto en el siglo XX
En este momento, el arte abstracto aún no se reconocía como un estilo, técnica o movimiento artístico. Fue simplemente el resultado de que los artistas cambiaran su enfoque lejos de los rígidos estándares de la pintura académica y reaccionaran a su tema en su lugar. Recién alrededor de 1900 el arte moderno y los artistas regresarían a un examen y deconstrucción de su técnica, como se ve en los movimientos posimpresionistas , fauvistas y cubistas , que eventualmente conducirían al arte abstracto.
Si bien el posimpresionismo fue ampliamente reconocido por el advenimiento de la abstracción del siglo XX, el desarrollo del fauvismo y el cubismo también fueron esenciales para su crecimiento. Artistas posimpresionistas como Paul Cézanne, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Gauguin continuaron la tendencia de pinturas coloridas, expresivas y algo abstractas. Paisajes, figuras y escenas de la vida cotidiana fueron reimaginadas a través de pinceladas gruesas y gestuales, colores intensos e incluso formas geométricas.
Todos estos movimientos surgieron al mismo tiempo y casi siempre se superpusieron. Entonces, muchos artistas trabajaron en paralelo para desarrollar este nuevo arte y lenguaje visual que ahora conocemos como arte abstracto y abstracción. Si bien en gran medida aún no fue intencional, o al menos no fue el objetivo general, la abstracción continuó floreciendo dentro del movimiento fauvista. El fauvismo, otro movimiento artístico expresivo, abandonó la representación realista en favor del color no naturalista y las pinceladas sueltas. Muchos artistas fauvistas llevaron este estilo único al desarrollo del cubismo.
Los artistas que trabajaban en el estilo cubista, como Georges Braque y Pablo Picasso, diseccionaron sus temas desde todos los ángulos solo para volver a ensamblarlos en un solo plano de imagen, haciéndolos casi irreconocibles. Esta técnica, como se ve en Glass on a Table de Braque, 1909-10, era en gran medida desconocida hasta este momento. El cubismo fue más allá del lienzo y la composición para incluir elementos de collage y objetos cotidianos.
Los artistas se involucraron cada vez más en aludir a su tema a través de la técnica y el uso del material en lugar de representarlo tal como existía. En la década de 1910, paralelamente a la segunda fase del cubismo, surgieron el dadaísmo y el futurismo , donde artistas como Marcel Duchamp y Umberto Boccioni crearon obras abstractas a través del collage , fotomontaje y representaciones de sujetos en movimiento.
La pintura abstracta seguía siendo popular entre movimientos artísticos como el orfismo, que surgió con la intención de utilizar la abstracción pura como método para lograr una forma de «arte puro». Esto significaba que la interpretación subjetiva de un artista de un tema a través de la pintura de elementos abstractos se valoraba por encima de la capacidad de pintar un tema exactamente como existía.
A medida que avanzaba el siglo XX, muchos movimientos adoptaron el arte abstracto de muchas maneras y para lograr una variedad de objetivos. Los artistas abstractos alineados con movimientos como el expresionismo abstracto , el arte pop , el minimalismo y el arte conceptual continuarían empujando los límites de la abstracción y del arte mismo hasta bien entrado el siglo XXI.
Las pinturas abstractas de Hilma Af Klint
En el arte occidental, Wassily Kandinsky suele ser venerado como el primer artista en crear piezas de arte completamente abstractas asociadas con emociones, patrones, formas lineales e incluso música. Sin embargo, es probable que la colega artista Hilma Af Klint haya estado produciendo pinturas abstractas antes que Kandinsky. Esta es una pieza importante en la historia del arte abstracto porque hay muchas figuras pioneras, incluidos los artistas Robert Delaunay, Piet Mondrian, Krantišek Kupka y Kazimir Malevich, quienes ciertamente hicieron contribuciones significativas al arte abstracto. Simplemente no fueron los primeros en hacerlo.
Algunas de las primeras obras abstractas de Klint se remontan a 1906-7, como su pintura abstracta pura, The Ten Largest, No 2 Childhood, Group IV . El trabajo de Klint ya estaba en el ámbito de la abstracción total, mientras que los artistas expresionistas y cubistas, como Paul Klee, Wassily Kandinsky, Henri Matisse y Pablo Picasso, todavía exploraban la exageración y la deconstrucción de un tema en su arte. Klint se inspiró en las ciencias naturales, así como en las religiones esotéricas y ocultas, específicamente la teosofía, porque fue uno de los primeros grupos religiosos europeos en dar la bienvenida a las mujeres como miembros del clero.
Klint no exhibió formalmente ninguna de sus pinturas durante su vida, aunque su compromiso con el arte abstracto ofrece una comprensión más profunda de cómo el arte abstracto se volvió tan popular a mediados y finales del siglo XX, especialmente como vehículo para comentarios sociales y políticos.
Artistas abstractos notables
- Hilma af Klint, 1862-1944, Sueco
- Helen Frankenthaler, 1928-2011, estadounidense
- Wassily Kandinsky, 1866-1944, Ruso
- Piet Mondrian, 1872-1944, holandés
- Lee Krasner, 1908-1984, estadounidense
- Alma Thomas, 1891-1978, estadounidense
- Lyubov Popova, 1889-1924, Ruso
- Elaine de Kooning, 1818-1989, estadounidense
- Joan Mitchell, 1925-1992, estadounidense
- Mary Lovelace O’Neal, n. 1942, estadounidense
- Mira Schendel, 1919-1988, Suiza
- Robert Delaunay, 1885-1941, francés
- El Lissitzky, 1890-1941, Ruso
- Ad Reinhardt, 1913-1967, estadounidense
- Theo van Doesburg, 1883-1931, holandés
- Fernand Léger, 1881-1955, francés
- Jackson Pollock, 1912-1956, estadounidense
Términos relacionados
- Modernismo
- Cubismo
- Fauvismo
- Suprematismo
- Constructivismo
- De Stijl
- Bauhaus
- Automatismo
- neoplasticismo
- Expresionismo abstracto
- Pintura de acción
- Minimalismo
- Op Art
